Leontes.jpgHermione.jpg

 

”Onko se oikeutta, onko se oikeutta, onko---?”

Kalle Holmberg ohjaamassa Ratsumiehen oikeussalikohtausta Olavinlinnassa kesällä—vuonna 1977? Se oli ensi kerta, kun erikseen näin ns. Chorus-työskentelyn lavalla, ja vielä harjoitteluvaiheessa. Näistä vuosista alkoi näihin päiviin jatkunut kiinnostus siihen, miten teatteria tehdään.

Poikkeustilassa olen katsellut eri versioita Winter’sTale’sta  - ja päädyin sitten sen kautta Cheek By Jowl-seurueen Measure For Measure-esitykseen, venäjäksi. Cheek By Jowl tekee yhteistyötä Pietarin ja Moskovan teatterien (”company” on venäjäksi ”soviet”, ikävä kyllä, ironiaa) kanssa. Ryhmää vetää pariskunta Declan Donnellan, ohjaaja ja Nick Ormerod, lavastaja.

Kun Globe-teatterin Winter’s Tale oli melko perinteinen, Cheek By Jowlin Talvi todella kaikui modernia metallia ja emootiota. Globe pitää tunnetusti kiinni tarkasta tekstistä, kun taas Cheek tiivistää, tekee koreografiaa, vaihtaa kohtausten järjestystä ja antaa aikaa sanattomalle ja liike-näyttelemiselle.  Vaikka Globen punainen lanka, todellakin ”Thread” oli puvustus (Sisilia oli roomalaista kaapua, Bohemia modernia turisti-kesäpukua ja nähtiin myös elisabetilaista krumeluuria, kun paimenet saivat rikkailta valtiailta uuden aseman elämäänsä). 

Mutta Cheekin modernit valkoiset paidat ja iltapuvut eivät vieneet liikaa huomiota, kun esitys on niin intensiivinen. Shakespearella on huono tapa aloittaa näytelmä ”keskeltä” – ikään kuin toisesta luvusta. Mitä? Maailman parhain näytelmäkirjailija tekee virheitä?  Ne ovat virheitä, jotka antavat ohjaukseen tarpeeksi ”miksi”-kysymyksiä, ja siten tuovat luovaa energia. Talvi, Mitta ja Lear (jatkossa näytelmät Talvinen tarina, Mitta mitasta ja Kuningas Lear) kaikki alkavat kuin yhtäkkiä – joku ukon-jässikkä saa itku-potku-raivarin ilman mitään syytä. No, Mitassa se on ”en tykkää Wienistä, enkä sen kansalaisista”. Herttua lähtee harhailemaan sala-asussa kansansa pariin.  Lear ei saa omaisuudellaan lahjottua tytärtään – ja elämältä putoaa pohja. Talven Leontes on kaikkein vaikein: Othellon sielunkaveri, joka yhtäkkiä päättää, että raskaanaoleva vaimo ja paras ystävä pettävät häntä hänen selkänsä takana. Seuraa kuolemaa, kurjuutta, eroja, perheen hajoaminen.  Sitä ensimmäistä kohtausta selitetään kaikki seuraavat näytökset, kunnes lopussa on katharsis, tai lientyminen, tai kirkastuminen.

Talvi alkaa yllättäen sanoilla ”Goodbye.” Polixenes haluaa lähteä kotiinsa Bohemiaan pitkäksi venyneeltä vierailultaan Sisiliaan. Leontes pitää tätä ystävänsä elettä uskottomuutena, ja sotkee oman perheensä kuvioon. Cheekin esityksessä nuori prinssi Sisilian Mamillus esitti omat raivokohtauksensa isänsä rinnalla – ja perheen sisäiset ristiriidat tulivat saumoistaan esiin (loistava suoritus 20-vuotiaalta Thomas Cawtelta). Ajan kuluessa – se kuuluisa rooli nimeltä Aika näyttäytyy 1. ja 2. näytöksen välissä ja kertoo sadunkertojan tavoin, että nyt siirrytään 16 vuotta eteenpäin – palataan vanhoihin tapahtumiin. Aikoinaan metsään jätetty tyttövauva aiheuttaa nyt puolestaan draamaa ja valepukuja Bohemian hovissa ja maaseudulla. Paimenperhe on kasvattanut tytön – luonnon ja inhimillisyyden voitto Sisilian hovista ja sotilaallisesta kurista – mutta löytölapsi ei kelpaa nyt puolestaan Bohemian hoville prinsessaksi. Toinen näytös peilaa ensimmäistä, ja nyt sen keskeltä aloittamisen ymmärtää – katsoja saa itse elää läpi teeman hylkäämisestä, epäluottamuksesta ja yksinjäämisestä. Polixeneen poika ja löytölapsi Perdita lähtevät etsimään tukea takaisin Sisiliaan – vinkkeinään vain viisaan Camillon sanat ja se MacGuffin joka todistaa löytölapsen syntyperän. MacGuffin tarkoittaa Hitchcockilla sitä jotain, mitä poliisit ja konnat yhdessä tavoittelevat, mutta Shakespearella se on yleensä todiste-esine (äidiltä saatu koru löytölapsi-vauvan kaulalla).

Orlando James esitti Leonteksen epävakaana persoonallisuutena, joka pelkää hajoavansa – mutta sen sijaan saattaa kuningattarensa kuolemaan, lapsen heitteille, ja lopulta perijä Mamilluskin kuolee. Oraakkelit ennustavat sadun tavoin, että laillinen perijä täytyy löytyä, se vasta katkaisee koston kierteen.

Kuningatar Hermionen eloonherääminen patsaasta oli hienosto kuvattu – ja vainaja-pojan Mamilluksen liittyminen Kuoroon - kynttilänvaloketjuun, joka ympäröi Hermionea - liikuttava. Oliko Paulina piilotellut Hermionea 16 vuotta? Siitä ei kerrota sen enempää: saamme tietää vain sen, että Hermione uskoi oraakkeleita. Kuulostaa hieman Prinsessa Ruususelta ja Lumikilta, mutta tässä hienovireisessä esityksessä perheen integraatio vainajien kanssa hämärässä oli täysin uskottava. Jakautunut persoonallisuus jäi saumaiseksi – kaikissa oli jokin särö.  Mutta se ei estä anteeksiantoa. Shakespearen lempi-ilmaisuja ovat ”base” ja ”seeming”. Base tarkoittaa ihmisyyden julmaa perusluonnetta ja seeming kaikkea vääränä, epäaitona näyttäytyvää.  Hyve ei kuitenkaan ole illusorista, vaan näyttäytyy kärsivällisyytenä, armahtavaisuutena ja tuon kaiken alhaisen pahan sietämisenä.

Kaikki esittäjät siis toimivat oman roolinsa ohella kuorona, ja se loi ihan riittävän visuaalisen efektin. Vielä perusteellisemmin Choruksen käyttö tehosi Mitta Mitasta- esityksessä. Siihen palaan seuraavassa blogitekstissä.  

Tässä The Guardianin arvostelu esityksestä 

Shakespeare at the time of Cholera – a satisfied sigh for chorus and ensemble vivacity

I first saw Chorus-acting on stage at a rehearsal, at the most famous Opera Festival of my country, by one of our leading directors. I was 15 years old. Since then I have been immersed in how theatre is made. I was attending a music summer school – and the education program included free admission to see the opera rehearsals. What a treat. I saw the directing of Georgi Tovstonogov and August Everding (or their assistants).

.During the Lockdown 2020 I have been spending time watching different versions of Shakespeare plays. First I saw The Globe’s the Winter’s Tale and then the same play by Cheek By Jowl. Via the excellent, modern Cheek’s Winter’s Tale I found their Russian Measure by Measure. This company works with the theatres of St Petersburg and Moscow (company is “soviet” in Russian, ironically, unfortunately). Cheek by Jowl is lead by Donnellan (director) and Nick Ormerod (designer (, a partnership in art and in life.

When the Globe’s Winter’s Tale was rather traditional, Cheek’s Tale echoed with emotion with modern metallic, silvery sounds. Cheek makes cuts and re-versals  to get precision. uses choreography, music, movement – and the time given to gesture, sound and bodily movement pays off. There was a modern element in the Globe’s version, though: the costumes, the literal “Thread”. Sicilia was dressed in Roman togas, Bohemia in modern holiday casual dress, but even Elizabethan court fashion was offered by the Shepherds glorified and gifted new dresses by their Kings, as gratitude for saving Perdita.

But Cheek’s modern white shirts and business suits and evening dresses did not shift attention from the main themes: the performance in intensive and visceral. Shakespeare has a bad habit of starting a play in the middle, like from Chapter Two. What? The most celebrated playwright in the world makes mistakes? They are mistakes that give creative energy and give enough “why” – questions for the direction. The Winter’s Tale, Measure for Measure and King Lear all begin in the middle, like an accident-on-the-make. Some man-child leashes out a spout of venom and accusation, with no cause (King Lear returns to this “no cause” hauntingly in the last act). In the Measure for Measure the Duke of Vienna decides he doesn’t like Vienna nor its citizens and leaves to study his folk in disguise. King Lear has a daughter whom he cannot bribe – and life veers toward destruction. But the Winter’s Tale’s king Leontes is the most difficult of them: this benign Pater Familias turns into an Othello-in-later-life and decides that his pregnant wife and his best friend King of Bohemia are betraying him behind his back. Misery, abandonment, separation of a family and death follow. This first scene is explained in all the consequent scenes, until in the end there is katharsis, détente, transfiguration.

The Winter’s Tale starts unexpectedly with the phrase “Goodbye”. King of Bohemia Polixenes wishes to return home from a long-extended visit to Sicilia. Leontes regards this as a collapse of friendship and mixes his own family into an odd mix of disagreement and misreading. In the Cheek’s performance, the young Sicilia Prince Mamillus acts as a shadow of his father with his childish rages and meltdowns (a 20-year-olf Thomas Cawte plays the role with a delightful relish).  The seams of this family come apparent – the internal dysfunction.

After some time – the play has famously a role called Time between the first and the second acts who tells like a fairytale narrator that now we move on 16 years – these events are reconsidered. The baby girl once left in the woods has been raised by Shepherds- the pastoral scenes represent life and humanity over Sicilia’s military and courtly formal ways – but the Changeling child is not accepted as princess to the Bohemian Court. The second act mirrors the First act, and now the watcher can live though the themes of abandonment, distrust and loneliness – thus, as the events enfold, the starting in-the-middle makes now sense. The son of Polixenes and the changeling girl travel back to Sicilia to find the origins and a solution – carrying with them the words of sage Camillo and the “MacGuffin“. A MacGuffin is a narrative device in Hitchcock, The Thing the rogues and cops are after. In Shakespeare, it’s often the evidence of something (like the necklace given by mother Hermione to baby Perdita).

Orlando James plays Leontes as borderline psychotic, unstable personality, who fears his own meltdown – but instead banishes his baby, enables in the killing of his Queen – and in the end, even the heir Mamillus dies. The oracles prophesize that the real heir has to be found – until then there is this chain of violence and revenge in Sicilia.

The awakening of the stature Hermione was astoundingly eloquent – and the late Mamillus to join the Candle-Heldng-Chorus was moving to the core. Had Pauline been hiding Hermione at her house for 16 years? There is no confirmation of that, but we are invited to believe- just as Hermione held faith with the promise of the oracles. It sounds a little like The Sleeping Beauty and Snow-white, but in this elegant performance the silent family discourse with the late ones was totally credible. The split personality was left with seams showing – there was a crack in everyone. But that does not strain forgiveness flowing.

Shakespeare studies far and deep the concepts he calls “base” and “seeming” – base means the low, cruel human nature and seeming refers to the dishonest, fake, twisted, perverse.  Virtue is not illusory, though -. there is patience, compassion and bearing with the untoward baseness in this world. It is possible.

In addition to their own roles, all the actors acted as a Chorus, and that was a fully adequate visual effect. In Measure for Measure, the applying of the chorus was even more extensive, but more of that in my next blog-article.

Here is the Independent review https://www.independent.co.uk/arts-entertainment/theatre-dance/reviews/the-winters-tale-review-barbican-orlando-james-leontes-declan-donnellan-a7676931.html